Eintritt: 10,00 € - Kartenpreise zzgl. Vorverkaufsgebühr
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Konzertübersicht Hamburger Orgelsommer gesamt PDF

mittwochs um 19 Uhr

Der Hamburger Orgelsommer ist eine Veranstaltungsreihe der fünf Hamburger Hauptkirchen und des kath. St. Marien-Doms.
Jeden Sommer werden in diesen Kirchen über 50 Orgelkonzerte veranstaltet.

Auch in der Hauptkirche St. Michaelis gibt es innerhalb des Hamburger Orgelsommers jeden Mittwoch um 19 Uhr ein Orgelkonzert.

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Orgelpunkt + + + Orgelstadt Hamburg

Hamburger Orgelsommer an St. Michaelis 2021
Ein Raum - vier Orgeln
 

30. Juni bis 1. September
jeweils mittwochs 19 Uhr, Einlass 18.30 Uhr

Mittwoch, 30. Juni 2021, 19.00 Uhr    
Eröffnungskonzert

Jörg Endebrock (Hamburg, St. Michaelis)

Zentralspieltisch

Oskar Fredrik Lindberg (1887–1955): Sonate g-Moll op. 23
I. Marcia elegiaca
II. Adagio
III. Alla Sarabanda
IV. Finale (Allegro con brio)

Gerard Bunk (1888–1958): Einleitung, Variationen und Fuge über ein altniederländisches Volkslied op. 31

Joseph-Ermend Bonnal (1880–1944): Paysages Euskariens (Landschaften des Baskenlandes)
I. La vallée du Béhorleguy, au matin (Morgenstimmung im Tal von Béhorleguy)
II. Le berger d’Ahusquy (Der Hirte von Ahusquy)
III. Cloches dans le ciel (Glocken im Himmel)

Oskar Fredrik Lindberg gehört zu den bedeutendsten Komponisten Schwedens. Er studierte am Konservatorium seiner Heimatstadt Stockholm, wo er später auch als Professor wirkte. Er hinterließ ein umfangreiches kompositorisches Schaffen von mehr als 400 Werken, darunter eine Oper nach Texten von Selma Lagerlöf. Seine Orgelsonate aus dem Jahre 1924 erhält ihren Charme von vielen „Skandinavismen“, typischen harmonischen und melodischen Wendungen aus der nordischen Volksmusik, wie wir sie auch aus Edvard Griegs Kompositionen kennen. Die Sonate ist sehr orchestral angelegt und bezaubert durch viele lyrische Farben in den Mittelsätzen und eine dramatische und virtuose Energie in den Ecksätzen.

Der heutzutage fast unbekannte niederländische Komponist Gerard Bunk war zu seiner Zeit einer der berühmtesten und gefragtesten Orgelvirtuosen. Er wirkte an der Reinoldikirche in Dortmund, in der eine der damals größten deutschen Orgeln stand, gebaut von der Firma Walcker mit 105 Registern.
Die „Variationen“, die heute auf dem Programm stehen, sind eines der attraktivsten Werke Bunks und wurden auch von den Zeitgenossen sehr gerühmt. So schrieb z. B. Charles-Marie Widor: „…habe Ihre Variationen mit größtem Interesse gelesen – Wissenschaft, Einheit und Tiefe –- Tausend Glückwünsche“.
Nach einer machtvoll-dramatischen Einleitung erklingt das Thema der Variationen sehr leise in tiefer Lage und schält sich erst langsam heraus. Es ist das alte Volkslied „Hoe groot, o Heer“, ein Freiheitslied gegen die spanische Unterdrückung im 16. Jahrhundert.
 
Es entspinnen sich nun sieben Variationen:
I. die Melodie wird eingehüllt von einer sanften Bewegung aus Achtelnoten
II. reizvolle Rhythmik durch gleichzeitiges Erklingen von Triolen und Duolen
III. eine Art „Fandango“ mit spanisch angehauchter Rhythmik, vermutlich eine Anspielung auf den Liedtext
IV. die Melodie erklingt in der Trompete des Pedals, darüber schichten sich Akkordblöcke
V. eine sphärische Variation mit dem Register „Voix célèste“ (Himmlische Stimme)
VI. eine virtuos-toccatenhafte Variation, die, obwohl sie einstimmig ist, doch den Eindruck von Mehrstimmigkeit erzeugt. Bunk schreibt als Vortragsbezeichnung „volante“ (dahinfliegend)
VII. Variation als eine Art Schreittanz
Bunk greift nun zurück auf die Musik der Einleitung, die in eine Schlussfuge überleitet. Nach einer mächtigen Steigerung wird das Werk beschlossen und gekrönt von der Liedmelodie im Klang der vollen Orgel.

Joseph-Ermend Bonnal stammte aus Bordeaux und war 21 Jahre lang Direktor des Konservatoriums in Bayonne im französischen Baskenland, bevor er seine Karriere als Organist an der berühmten Orgel von St. Clothilde in Paris beendete. Sein bedeutendstes Orgelwerk ist der Zyklus „Landschaften des Baskenlandes“, der von einer tiefen Liebe zu den saftig-grünen Tälern und majestätischen Bergen dieses Landstrichs Zeugnis ablegt. Wundervoll, wie Bonnal im ersten Stück das besondere morgendliche Licht, das sich sanft im Frühnebel bricht, einfängt und nachzeichnet. Im zweiten Satz erklingt zunächst eine bukolische Schalmeienmelodie, die Bonnal kunstvoll weiterspinnt und in immer neue impressionistische Harmonien kleidet.
Der letzte Satz „Glocken im Himmel“ ist eine Liebeserklärung an die Bergkette der Pyrenäen, die sich majestätisch am Horizont erhebt und deren Gipfel wie gigantische Glocken im Himmel aufgehängt zu sein scheinen. Entsprechend herrscht hier eine Glockenmotivik vor, im rauschenden Geläut stürmt das Stück voran. In der Mitte des Satzes beruhigt sich das Geschehen und es übernimmt eine ausdrucksstarke Melodie, die in ihrer Gestalt einem gezackten Berg nachempfunden zu sein scheint, bevor der rauschende Beginn wieder aufgenommen und zu einem überwältigenden Schluss geführt wird. Eine der glanzvollsten und virtuosesten Toccaten der gesamten Orgelliteratur!

Jörg Endebrock

Jörg Endebrock wurde Anfang 2020 als Kantor und Organist an die Hamburger Hauptkirche St. Michaelis berufen und leitet dort mit dem Chor St. Michaelis einen der renommiertesten Chöre Norddeutschlands. Neben der Pflege eines breiten Repertoires von Monteverdi bis Martin setzt er mit den jährlichen Aufführungen des Weihnachtsoratoriums, der Matthäuspassion von Bach und des Brahms-Requiems lange Hamburger Traditionen fort.
Endebrock wurde 1970 in Osnabrück geboren und studierte ev. Kirchenmusik (A) in Hamburg sowie Orgel als Stipendiat des „Deutschen akademischen Austauschdienstes“ in Paris bei Susan Landale. Im Jahr 1999 schloss er das Aufbaustudium mit einem „Prix d´éxcellence“ sowie einem „Prix de virtuosité avec félicitations“ ab.
Er war Preisträger bei den Internationalen Orgelwettbewerben von Haarlem sowie Paris. Schon während seiner Studienzeit sammelte er wichtige Erfahrungen in renommierten Chören, u. a. im Chor des NDR. Von 1999 bis 2008 war er Kantor der Christuskirche Freiburg, von 2008 bis 2019 verantwortete er die vielfältige Musik an der Lutherkirche Wiesbaden und leitete den Bachchor Wiesbaden.
Als Konzertorganist übt er eine rege Konzerttätigkeit in Deutschland und seinen europäischen Nachbarländern aus. Rundfunkaufnahmen beim NDR, SWR, Deutschlandradio und bei Radio France sowie zahlreiche CD-Einspielungen runden das Bild seiner künstlerischen Tätigkeit ab.

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Mittwoch, 7. Juli 2021, 19.00 Uhr    
Susanne Rohn (Bad Homburg, Erlöserkirche)

Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Orgel

Jan Pieterszoon Sweelinck (1562–1621): Ricercar in a

Fitzwilliam Virginal Book (frühes 17. Jahrhundert): Vier Tänze
- William Byrd (1543–1623): Galliarda
- Anonymus (England, 16. Jhd.): Alman
- Martin Peerson (ca. 1572–1650): Alman
- Peter Philips (ca. 1560–1628): Galliarda

Zentralspieltisch

Franz Liszt (1811–1886): Fantasie und Fuge über »Ad nos, ad salutarem undam«

Jan Pieterszoon Sweelinck, dessen 400. Todestages wir in diesem Jahr gedenken, war zu seiner Zeit eine Art „Superstar“ auf der Orgel. Viele der norddeutschen Organisten seiner Zeit pilgerten zu ihm in die „Oude Kerk“ nach Amsterdam, um sich unterweisen zu lassen. Deshalb trug er auch den Beinamen „deutscher Organistenmacher“. Interessanterweise war Sweelinck nicht bei der Kirche, sondern beim Magistrat der Stadt als Organist angestellt: die calvinistische Reformation hatte keine Verwendung für Organisten, denn im Gegensatz zu Martin Luther in Deutschland war Johannes Calvin der Musik gegenüber sehr misstrauisch eingestellt. So kam es, dass Sweelinck täglich Konzerte auf der Orgel für die Bürger der Stadt gab. Meist improvisierte er über bekannte und beliebte Liedmelodien oder beeindruckte die Zuhörer mit seinen kunstvollen und überaus virtuosen Kompositionen. Vermutlich ist auch das Ricercar so entstanden.
Auch in England war Sweelinck offenbar sehr berühmt, denn viele seiner Kompositionen finden sich im „Fitzwilliam Virginal Book“, der mit annähernd 300 Kompositionen umfangreichsten historischen Sammlung der Cembalo-Musik des späten 16. und frühen 17. Jahrhunderts in England. Sie wurde vermutlich vom Komponisten Francis Tregian (1574–1619) zusammengestellt. Fast alle großen Komponisten der elisabethanischen Zeit und der Epoche Jakobs I. sind hier mit verschiedenen Tänzen und anderen kunstvollen Kompositionen vertreten, die einen lebhaften Eindruck von der populären Musik dieser Zeit vermitteln.
Im Jahre 1849 schrieb Franz Liszt unter dem Eindruck der Pariser Erstaufführung der Oper „Der Prophet“ von Giacomo Meyerbeer drei „Illustrationen“ für Klavier, die sein stetes Interesse an allem Neuen bezeugen. Die Oper, die den religiösen Fanatismus und Furor der „Wiedertäufer“ in Münster in den 1530er Jahren zum Inhalt hat, scheint ihn sehr bewegt zu haben, denn im folgenden Jahr erweiterte er diese ersten Klavierskizzen zu einem monumentalen Fresko, von dem Saint-Saëns beeindruckt sagte, es sei das „außergewöhnlichste Stück, das je für Orgel komponiert worden ist“.
Liszt legt dem Werk den Choral der Wiedertäufer „Ad nos ad salutarem undam“ zugrunde. Daraus entwickelt er monothematisch ein großartiges Werk, das fast wie eine Sinfonie in einem Satz wirkt und aus drei Teilen besteht: ein zentrales Adagio wird umrahmt von einer einleitenden Fantasie und einer krönenden Fuge. Die Fantasie wurde Vorbild für seine h-Moll-Klaviersonate und auch für die Sonate über den 94. Psalm von Julius Reubke.

Jörg Endebrock

Susanne Rohn, geboren in Waldshut am Hochrhein, studierte evangelische Kirchenmusik in Freiburg im Breisgau sowie Orgel und Cembalo als Stipendiatin des Deutschen Akademischen Austauschdienstes in Toulouse. Ihr Aufbaustudium Orgel (Solistendiplom) in Basel (bei Guy Bovet) und ihr Aufbaustudium Dirigieren in Freiburg (bei Hans Michael Beuerle und Peter Gülke) schloss sie jeweils mit Auszeichnung ab.
Seit 1998 ist Susanne Rohn Kantorin der Erlösergemeinde in Bad Homburg. Mit drei herausragenden Instrumenten (historische Sauer-Orgel von 1908, Bach-Orgel von Gerald Woehl 1990, Orgelpositiv von Bernhard Fleig 2008) sowie zwei leistungsfähigen Chören (Bachchor mit 135 Sängern und Kammerchor mit 40 Sängern) gestaltet sie dort ein reichhaltiges und anspruchsvolles Musikprogramm, das über die Grenzen der Stadt hinaus in der ganzen Region Beachtung findet.
Susanne Rohn nahm erfolgreich an nationalen und internationalen Orgelwettbewerben teil und gibt regelmäßig Orgelkonzerte. Nach Lehraufträgen für Orgel oder Dirigieren an verschiedenen Musikhochschulen war sie von 2006 bis 2009 als Professorin für Chorleitung an der Robert-Schumann-Hochschule Düsseldorf tätig. Seit Oktober 2011 lehrt sie Dirigieren an der Johannes-Gutenberg-Universität in Mainz.

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Mittwoch, 14. Juli 2021, 19.00 Uhr    
Sebastian Küchler-Blessing (Essen, Dom)

Große Orgel

Dieterich Buxtehude (1637–1707): Toccata d-Moll BuxWV 155

Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Orgel

Johann Sebastian Bach (1685–1750): Concerto a-Moll nach Vivaldi BWV 593
I. ohne Satzbezeichnung
II. Adagio
III. Allegro

Zentralspieltisch

Johann Sebastian Bach: Toccata und Fuge E-Dur BWV 566

César Franck (1822–1890): Choral III a-moll

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791): Adagio für Glasharmonika KV 617a

Sebastian Küchler-Blessing (*1987): Improvisation über zwei gegebene Themen

Vielschichtig ist das Programm des heutigen Abends ineinander verbunden: Die prachtvolle Toccata in d BuxWV 155 von Dieterich Buxtehude ist ein geradezu idealtypisches Beispiel einer mehrteiligen norddeutschen Form. Diese war inspiriert von den wiederentdeckten rhetorischen Lehren der Antike und orientiert sich im Aufbau an deren Lehren einer guten Rede: zum einen sind einzelne Figuren gestisch gedacht und auszuführen, zum anderen sollten sich freie Abschnitte wie das anfängliche, den gesamten Tonraum vorstellende Exordium abwechseln mit streng kontrapunktisch durchgeführten Teilen. In der Propositio bzw. Narratio, hier der ersten Fuge, wird das Thema der gedachten Rede dargestellt. Ganz klassisch stellt dann eine Confutatio das eben Formulierte in Frage (musikalisch realisiert mit unvermuteten harmonischen und rhythmischen Entwicklungen), bevor eine zweite Fuge als Confirmatio die Bestätigung der Hauptthese des gedachten Redners verkörpert. Eine rauschende Conclusio schließlich setzt einen machtvollen Schlusspunkt hinter dieses grandiose Werk.
Johann Sebastian Bach galt als sehr guter Streicher, und so verwundert sein Interesse an den Instrumentalkonzerten Vivaldis nicht. Die Übertragung des Concerto a-moll aus Vivaldis L’Estro armonico („die harmonische Eingebung“), ist meisterhaft gelungen: Bach vermag es, einen „orgelgemäßen“ Satz zu schreiben und gleichzeitig die violinistischen und bei diesem hochvirtuosen Werk fast schon artistischen Aspekte in den Vordergrund zu stellen.
Etwas missverständlich ist der Titel des folgenden Werkes Toccata und Fuge E-Dur BWV 566: man erwartet dabei automatisch ein zweiteiliges Werk, in dem Präludium und Fuge ganz klar voneinander getrennt sind, so wie es bei Bachs großen Meisterwerken der späten Jahre üblich ist. Hier führt der zweiteilige Titel allerdings in die Irre: dieses vermutlich in Bachs Arnstädter Zeit entstandene Frühwerk nimmt eindeutig die überkommene norddeutsche Form auf und ist, ähnlich wie die eingangs gehörte Toccata von Buxtehude, fünfteilig – es ist, wenn man so möchte, Bachs Hommage an Buxtehude.
Wie eine Binsenweisheit klingt, dass die choralgebundenen Werke Bachs überkommene evangelische Choräle samt ihrem Text(-gehalt) vertonen. Dieses Wissen wurde nach Frankreich erst wieder eingebracht durch Albert Schweitzer, der etwa Charles-Marie Widor so einen völlig neuen Erkenntnishorizont erschloss, zu einem Zeitpunkt allerdings, zu dem César Franck längst den Folgen eines schweren Unfalls erlegen war – diesen sicheren Tod vor Augen schrieb er drei Choräle ungemeiner Ausdruckskraft, die als Hommage an Bach gedacht waren: der heute erklingende dritte Choral a-moll führt Motivik des Präludiums a-moll BWV 543 zusammen mit einem „Bach-Choral“, einem durch Franck frei komponierten Satz, der nach einer großen Cantilene in einem Finale mit großer Meisterschaft mit der anfänglichen Motivik kombiniert wird: ein Schwanengesang selten erlebter Tragik!                                                

Sebastian Küchler-Blessing

Der Essener Domorganist Sebastian Küchler-Blessing ist seit 2014 verantwortlich für die Orgelmusik in Liturgie und Konzert an der Kathedralkirche des Ruhrbistums. Er konzertiert bis an den Ural und persischen Golf in Konzerthäusern und Kathedralen wie Elbphilharmonie und Kölner Dom sowie bei den großen Klassikfestivals. Von Publikum und Fachwelt auch als Improvisator und Kammermusiker geschätzt, ist Sebastian Küchler-Blessing Bachpreisträger des Leipziger Bach-Wettbewerbs, gewann den Mendelssohn-Preis und den 1. Preis der Internationale Orgelwoche Nürnberg. Er wurde mit dem Publikumspreis der Festspiele Mecklenburg-Vorpommern und dem Arthur Waser-Preis des Luzerner Sinfonieorchesters ausgezeichnet. Von Sontraud Speidel, Christoph Bossert, Martin Schmeding und Zsigmond Szathmáry ausgebildet, wurde er von der Deutschen Stiftung Musikleben, der Jürgen-Ponto-Stiftung und der Mozart-Gesellschaft Dortmund gefördert. Bereits als Schüler wurde er in die Studienstiftung des deutschen Volkes aufgenommen. Sebastian Küchler-Blessing unterrichtete an der Freiburger Musikhochschule und lehrt Orgel und liturgisches Orgelspiel/Improvisation an der Robert-Schumann-Hochschule Düsseldorf. Im Jahr 2020 erschien unter dem Namen „Jubilissimo“ eine CD mit Werken für Blechbläser und Orgel von Enjott Schneider, zu der ein Blechbläserensemble um Reinhold Friedrich im Essener Dom musizierte.

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Mittwoch, 21. Juli 2021, 19.00 Uhr    
Johannes Zeinler (Wien)

Zentralspieltisch

Johann Sebastian Bach (1685–1750): Chaconne in d-Moll, aus der 2. Partita für Violine Solo, BWV 1004
Transkription für Orgel von Arno Landmann

Thomas Lacôte (*1982): Phteggomai (2017)

Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Orgel

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791): Andante F-Dur KV 616 „für eine Walze in eine kleine Orgel“

Zentralspieltisch

Charles Marie Widor (1844–1937): Symphonie Romane op. 73
I. Moderato
II. Choral
III. Cantilène
IV. Final

„Der Hörer steht dieser Chaconne gegenüber wie einer elementaren Erscheinung, welche in ihrer unbeschreiblichen Großartigkeit begeisternd wirkt und zugleich schwindelerregend und sinnverwirrend. Der überflutende Gestalten-Reichtum, aus wenigen kaum bemerkbaren Quellen sich ergießend, verrät sowohl die genaueste Kenntnis der Violintechnik als die absoluteste Herrschaft über eine Phantasie, wie sie kolossaler wohl niemals ein Künstler besessen hat. […] Wer die musikalischen Gedanken einmal abstract betrachtet, wird glauben, das Instrument müsse bersten und brechen unter dieser riesigen Wucht, und vieles davon würde sicherlich den Klangmassen der Orgel und des Orchesters gewachsen sein.“
Inspiriert durch diesen Abschnitt aus Phillip Spittas Bach-Biografie, transkribierte Arno Landmann die monumentale Chaconne etwa 200 Jahre nach ihrer Entstehung für Orgel. Dabei handelte er im Sinne Bachs, der selbst auch einige seiner Kompositionen für Violine in Orgelstücke umarbeitete. Von seiner Zeit geprägt, hüllt Landmann das Werk allerdings in einen spätromantischen, orchestralen Mantel und präsentiert eine wertvolle Auseinandersetzung mit diesem bedeutenden Meisterwerk.
Thomas Lacôte zählt als Nachfolger Olivier Messiaens an der Kirche La Trinité zweifelsohne zu den interessantesten Musikerpersönlichkeiten der heutigen Pariser Szene. An der französischen Tradition anknüpfend entdeckt er mithilfe intensiver musikwissenschaftlicher Forschung und Experimentierfreudigkeit auf beeindruckende Weise neue Klangwelten. Das zentrale Element von Phteggomai bildet das bis heute über Jahrhunderte für französische Orgeln typische Grand Cornet. Sein markanter Klang diente zu Beginn vor allem als Verstärkung für die im Diskant schwächeren Zungenregister und kam prinzipiell nur im Ensemble zum Einsatz. Deshalb wird dieses Register üblicherweise erst ab dem c1 gebaut, was auch dem Ausgangspunkt von Phteggomai entspricht. Ein weiteres wichtiges Element in dieser Komposition ist der Raum, welcher im Allgemeinen ein wesentliches Element beim Musizieren darstellt. Dieses Stück bindet bewusst die Akustik des Raumes ein und konzentriert sich somit auf das Verklingen von Tönen und deren Charakteristik. Dabei wird unter anderem ganz subtil versucht, den Nachhall durch spezielle Kompositions- und Spieltechniken zu beleben bzw. zu verzerren, ohne dass man zusätzliche Töne wahrnimmt.
Obwohl etliche Briefe über Mozarts Begeisterung für die Orgel berichten und er sie als den „König aller Instrumente“ bezeichnete, sind uns aus seiner Feder kaum originale Stücke erhalten. Als Glücksfall können es Organisten bezeichnen, dass Mozart drei zauberhafte Werke für die damals beliebten Flötenuhren komponierte. Dabei handelt es sich um mit Pfeifen ausgestattete mechanische Automaten, die zu bestimmten Zeiten Musik von einer Walze wiedergaben. Nachdem der Klang dieser Flötenuhren dem Orgelklang am nächsten ist, bedienen sich Organisten gerne dieser Stücke. Im Gegensatz zu den beiden teils dramatischen bzw. heroischen Fantasien in f-Moll, hat das Andante in F-Dur einen sehr lieblichen, entzückenden Charakter in Form eines Rondos.
Die Symphonie Romane ist Charles-Marie Widors zehnte und letzte Orgelsymphonie und wurde der romanischen Basilika St. Sernin in Toulouse gewidmet. Als Thema dient das Ostergraduale „Haec dies“, welches die gesamte Symphonie prägt.
Nach einer kurzen, frei einleitenden Geste erklingt im Moderato sogleich das Thema, das im Laufe des Stückes durch die Stimmen wandert und am Höhepunkt des Satzes in Doppelpedalspielweise erklingt. Der zweite Satz Choral bringt das Thema zunächst in Form eines strengen Satzes, welcher sich sodann in einer freieren Textur mit einer solistischen Oberstimme und Imitationen in der Begleitung auflöst. In weiterer Folge tritt ein freies Thema hinzu, welches durch eine Arpeggio-Begleitung in der linken Hand getragen und vom Hauptthema im Pedal untermauert wird. Die Cantilène entfernt sich mit ihrem elegant freien Klarinettensolo am weitesten vom „Haec dies“ und lässt Anklänge an die Ostersequenz „Victimae paschali“ vermuten. Das Final ist eine typische französische Orgeltoccata, welche mithilfe ihrer motorischen Bewegungen den Osterjubel noch einmal versinnbildlicht.

Johannes Zeinler

Johannes Zeinler: Als Gewinner des 1. Preises beim Internationalen Orgelwettbewerb in St. Albans 2015 und des „Grand Prix de Chartres“ 2018 zählt der österreichische Organist, Cembalist und Kirchenmusiker zu den erfolgreichsten Nachwuchsorganisten seiner Generation. Ihm gelang es als Erster, bei beiden prestigeträchtigen Wettbewerben als Sieger hervorzutreten.
Sein Studium absolvierte er an der Universität für Musik und darstellende Kunst Wien in Orgel bei Pier Damiano Peretti und Klaus Kuchling, in Klavier bei Christiane Karajev sowie in Kirchenmusik. Während eines einjährigen Studienaufenthaltes in Toulouse erhielt er wichtige Impulse im französischen Repertoire von Michel Bouvard, Jan Willem Jansen (Orgel) und Yasuko Bouvard (Cembalo). Das Masterstudium führte ihn an die Hochschule für Musik und Theater Hamburg, wo er sich im Bereich der Alten Musik bei Wolfgang Zerer (Orgel) und Menno van Delft (Cembalo, Clavichord, Kammermusik) weiterbildete. Im Rahmen dieses Studiums fand eine enge Zusammenarbeit mit dem Prins Claus Conservatorium in Groningen statt, wo er weitere Anregungen durch Theo Jellema (Orgel und Improvisation) und durch Johan Hofmann (Cembalo) erhielt.
Seine Engagements führten in bereits an das Kings College Cambridge, in die Bavokerk Haarlem, die Hauptkirche St. Jacobi Hamburg, das Stift Klosterneuburg, die Basilika St-Sernin in Toulouse, die Kathedrale von Poitiers, die Kirche Ste-Croix in Bordeaux, die Kathedrale Notre Dame de Paris, die Philharmonie Essen, das Mariinsky Theater St. Petersburg und den Wiener Musikverein.

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Mittwoch, 28. Juli 2021, 19.00 Uhr    
Henry Fairs (Berlin, Universität der Künste)

Zentralspieltisch

Johannes Brahms (1833–1897): Präludium und Fuge a-Moll WoO 9
Johannes Brahms: „Herzlich tut mich erfreuen“ aus op. 122

Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Orgel

Carl Philipp Emanuel Bach (1714–1788): „Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ“ BWV Anh. 73

Johann Gottfried Müthel (1728–1788): Fantasia F-Dur

Konzert-Orgel

Robert Schumann (1810–1856): aus: Studien für den Pedalflügel op. 56
II. Mit innigem Ausdruck
III. Etwas schneller

Zentralspieltisch

Edward Elgar (1857–1934): Sonata G-Dur op. 28
I. Allegro maestoso
II. Allegretto
III. Andanto espressivo
IV. Presto (comodo)

Mitte der 1840er Jahre litt Robert Schumann unter einer Lebens- und Schaffenskrise und war von schweren Depressionen heimgesucht. Studien des „Wohltemperierten Klaviers“ und der „Kunst der Fuge“ seines erklärten Vorbilds Johann Sebastian Bach sind Schumanns „täglich Brod“ und helfen ihm in der schwierigen Phase. Im Jahr 1845 findet sich jene denkwürdige Notiz in Schumanns Tagebuch, dass sich „eine ganz andere Art zu componiren zu entwickeln begonnen“ habe und die Werke nun nicht mehr am „subjektiven Clavier“ entstünden, sondern er von nun an „alles im Kopf zu erfinden und ausarbeiten“ wolle. Ein gänzlich anderer Kompositionsprozess also, in den sich sein op. 56 sinnvoll einfügt. Die „Studien“ übertitelten Werke sind in Wahrheit lyrische Preziosen, die zwar für den Pedalflügel konzipiert wurden, aber auch auf der Orgel wundervoll klingen.
Schumann steckte auch den jungen Johannes Brahms mit seiner Bach-Begeisterung an. Präludium und Fuge in a-Moll stammen aus der Zeit, in der Brahms im Haus der Schumanns ein und aus ging und sind ein eindrucksvolles Beispiel dafür, wie eigenwillig er die alten Formen mit seiner hochexpressiven Klangsprache verschmilzt. Die Choralvorspiele op. 122 sind dagegen kurz vor Brahms‘ Tod entstanden. Er bearbeitet darin vornehmlich Choräle, die sich mit den letzten Dingen befassen. Brahms nimmt sich dabei die schlichten Choralvorspiele aus Bachs Orgelbüchlein zum Vorbild.
Auch der zweitälteste Bachsohn Carl Philipp Emanuel beschäftigte sich immer wieder mit dem Werk seines Vaters. Das bekannte schlichte Choralvorspiel „Ich ruf zu dir, Herr Jesu Christ“ aus dem „Orgelbüchlein“ des Vaters erweitert der Sohn durch expressive Vor- und Zwischenspiele und verstärkt dadurch erheblich den Affekt.

Auch Johann Gottfried Müthel ist eng mit dem Namen Johann Sebastian Bach verbunden. Er stammte aus Mölln, wo sein Vater als Organist tätig war und wurde einer der letzten Schüler Bachs, in dessen Haushalt er auch wohnte. Auch wenn Bach bereits drei Monate nach seinem Eintreffen verstarb, konnte sich Müthel als Kopist des schon erblindeten Meisters intensiv mit dessen Schaffen auseinandersetzen. Mit Carl Philipp Emanuel Bach verband ihn eine lebenslange Brieffreundschaft.
Müthel gilt als ein Hauptvertreter des „Sturm und Drang“ in der Musik. Es gelang ihm dabei, einen neuen, expressiven Persönlichkeitsstil zu entwickeln. Daniel Schubart bezeichnete seine Musik als „dunkel, finster, eigensinnig und unbeugsam gegen den Modegeschmack seiner Zeitgenossen.“ Und über seine Spieltechnik: „Kenner, die ihn spielen hörten, können nicht genug die Leichtigkeit bewundern, mit der er sich über Gebirge von Schwierigkeiten hinwegsetzt.“

Edward Elgar ist heute vor allem als Komponist prachtvoller romantischer Orchestermusik bekannt, gleichwohl war auch er ein großer Verehrer Bachs. Er orchestrierte unter anderem einige von Bachs Orgelwerken auf so ungemein originelle Weise für großes Orchester, dass auch heutige Bach-Puristen ihre Freude daran haben können.
In seiner Orgelsonate finden sich allerdings kaum Spuren barocker Vorbilder. Vielmehr ist das Werk ausgesprochen orchestral konzipiert und nutzt dabei die Möglichkeiten der spätromantischen symphonischen Orgel effektvoll. Die Sonate entstand 1895 als Auftrag von Hugh Blair, Kathedralorganist von Worcester, kurz bevor Elgar seinen Durchbruch als Komponist der „Enigma-Variationen“ hatte. Es ist ein raffiniertes Werk von großzügigen Proportionen, weitgreifend, aber ohne Längen, wunderbar volltönend und hervorragend adaptiert für das Instrument Orgel.
Der erste Satz, in Sonatenform konzipiert, eröffnet mit einem festlichen, noblen, typischen Elgar-Thema im ¾ -Takt. Das zweite Thema ist kontrastierend dazu melodisch ausschwingend nach Art eines „Lied ohne Worte“. Kunstvoll dialogisieren nun beide Themen miteinander.
Der zweite Satz „Intermezzo“ ist vermutlich die Umarbeitung eines früher entstandenen Werkes für Cello und Klavier. Die sonore Melodie in der linken Hand kontrastiert dabei mit den aparten Girlanden der rechten Hand.
Der ausdrucksstarke dritte Satz weist auf die langsamen Sätze des Violinkonzerts und der Sinfonien voraus und ist von großer Poesie und Klangschönheit. Der letzte Satz ist wiederum in der Sonatenform konzipiert. Ein energiegeladenes Hauptthema und Passagen lyrischen Charakters wechseln sich effektvoll ab, bevor das Werk einem virtuosen Ende entgegenstürmt.

Jörg Endebrock

Henry Fairs wurde in Hereford (GB) geboren, dort erhielt er seine früheste musikalische Ausbildung als Chorsänger am Leominster Priory und studierte am Birmingham Conservatoire, wo er mit den höchsten Auszeichnungen abschloss. Ein Stipendium der Countess of Munster Trust ermöglichte ihm ein Aufbaustudium in Paris, Köln und Wien. Prägende Lehrer waren David Saint, Thierry Mechler, Susan Landale, David Sanger und Michael Radulescu.
Neben seinem Wirken als Lehrer betreibt Henry Fairs eine rege Konzerttätigkeit, die ihn zu Festivals und Instrumenten in aller Welt führt. Fairs ist ebenso regelmäßig als Jurymitglied bei internationalen Orgelwettbewerben tätig. Studierende seiner Orgelklasse gingen als Preisträger aus zahlreichen internationalen Wettbewerben hervor und wirken nun auf bedeutenden Stellen in Kirche und Hochschule.
Henry Fairs ist mehrfacher Preisträger internationaler Orgelwettbewerbe: u. a. in Odense (DK), Chartres (FR), St Albans (GB) und Paris (FR). Zahlreiche Aufnahmen für den Rundfunk liegen vor.
Von 2005 bis 2020 wirkte Henry Fairs am „Royal Birmingham Conservatoire“ (GB), 2018-2020 war er zudem Gastprofessor an der Musikhochschule Leipzig. Seit 2014 ist er als „Visiting Professor“ an der University of St Andrews (Schottland) tätig. Seit dem Wintersemester 2020/2021 ist Henry Fairs Professor für künstlerisches Orgelspiel an der Universität der Künste Berlin.

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Mittwoch, 4. August 2021, 19.00 Uhr    
Gerhard Gnann (Mainz, Hochschule für Musik)

Zentralspieltisch

Sigfrid Karg-Elert (1877–1933): „Herr Jesu Christ, dich zu uns wend“ aus op. 65
Sigfrid Karg-Elert: Symphonischer Choral „Ach bleib mit deiner Gnade“ op. 87, 1                                 

Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Orgel

Baldassare Galuppi (1706–1785): aus: Sonata in D        
Adagio – Allegro

Zentralspieltisch

Carl Philipp Emanuel Bach (1714–1788): Fantasia con Fuga c-Moll H 103    

Robert Schumann (1810–1856): aus: Studien für den Pedalflügel op. 56
IV. Innig
V. Nicht zu schnell

Sigismund Ritter von Neukomm (1778–1858): Grand Dramatic Fantasia    
Konzert am See, unterbrochen von einem Donnerwetter   

Louis Vierne (1870–1937): Allegretto op.1
Louis Vierne: aus: Symphonie Nr. 6 op. 59, V. Final

Der Leipziger Spätromantiker Sigfrid Karg-Elert schöpfte aus dem reichhaltigen Schatz des protestantischen Chorals immer wieder erstaunliche Inspiration. In seinem op. 65 bearbeitet er insgesamt 66 Choräle auf einfallsreiche und ganz und gar neuartige Art und Weise. „Herr Jesu Christ, dich zu uns wend“ ist eine feurig dahinstürmende Toccata, in deren Klangrausch immer wieder die Melodie des Chorals in langen Notenwerten auftaucht.
Wie der Name „Symphonischer Choral“ schon andeutet, wird der Choral „Ach bleib mit deiner Gnade“ im op. 87 deutlich umfangreicher bearbeitet. Karg-Elert führt hier nach dem Vorbild der Reger’schen Choralfantasien den Choral mehrfach durch und deutet den Text der einzelnen Strophen dabei aus.
Der venezianische Komponist Baldassare Galuppi galt als der berühmteste Opernkomponist seiner Zeit. In Zusammenarbeit mit Carlo Goldoni erneuerte er die „Opera buffa“ und beeinflusste so die weitere Entwicklung der Gattung entscheidend mit. Obwohl Galuppi nur in diesem Bereich musikhistorische Bedeutung erlangte, ist auch sein Werk für Tasteninstrumente beachtenswert. Es sind meist eher kleine Stücke, die sich zwischen Scarlatti und Haydn einordnen lassen. Diese durchaus anspruchsvollen Sonaten und Divertimenti zeigen eigenständigen Charakter und vermeiden eine allzu kurzatmige Melodieführung. Er selbst benannte als wichtigste Elemente guter Musik „vaghezza, chiarezza e buona modulazione“ (‚Anmut, Klarheit und schöner Tonfall‘)
Die Fantasie und Fuge c-Moll gehört zweifellos zu den schönsten Werken, die Carl Philipp Emanuel Bach für die Orgel hinterlassen hat. Der heftig-pathetische und düstere Charakter der Fantasie wird durch herausfordernde Septakkorde und kühne Modulationen erreicht. Die Akkorde werden immer wieder unterbrochen von dramatischen, rezitativischen Passagen. Der vierstimmigen Fuge liegt ein schroffes Thema zugrunde, das sich jedem Formalismus verweigert. Ein Werk wie dieses, in dem das überkommene musikalische Erbe mit neuen und frischen Gedanken belebt wird, lässt uns bedauern, dass CPE Bach nur so wenige Werke der Orgel gewidmet hat.
Mitte der 1840er Jahre litt Robert Schumann unter einer Lebens- und Schaffenskrise und war von schweren Depressionen heimgesucht. Studien des „Wohltemperierten Klaviers“ und der „Kunst der Fuge“ seines erklärten Vorbilds Johann Sebastian Bach sind Schumanns „täglich Brod“ und helfen ihm in der schwierigen Phase. Auf dem damals neuartigen „Pedalflügel“ konnte er auch die Orgelwerke Bachs studieren. Die „Studien“ übertitelten Werke op. 56 sind in Wahrheit lyrische Preziosen, die zwar für den Pedalflügel konzipiert wurden, aber auch auf der Orgel wundervoll klingen.
Sigismund Ritter von Neukomm war Komponist, Pianist, Diplomat und wurde auch der Spionage verdächtigt. Er war ein Schüler Michael Haydns, später ein enger Mitarbeiter Joseph Haydns und ein großer Verehrer Mozarts. In vielen Ländern der Welt tätig, war er zum Beispiel von 1804 bis 1808 Kapellmeister in Sankt Petersburg und von 1816 bis 1821 in Rio de Janeiro. Die meiste Zeit lebte er jedoch in Paris.
Sein großes Vorbild Mozart lernte er nie kennen, war aber Klavierlehrer von dessen Sohn Carl Thomas Mozart.
Die Grand Dramatic Fantasia ist ein zauberhaftes Werk, das einen unbeschwerten Tag in der freien Natur, unterbrochen von einem schweren Gewittersturm, musikalisch beschreibt, eine Naturschilderung, wie sie zu seiner Zeit ausgesprochen beliebt war (man denke nur an Beethovens 6. Symphonie mit dem Titel „Pastorale“). Hinreißend die Modernität, mit der er das einsetzende Gewitter in Klang umsetzt.
Zuletzt noch zwei Werke des Organisten der Pariser Kathedrale „Notre-Dame“, Louis Vierne. Der fast blinde Komponist zählt neben Charles-Marie Widor zu den herausragendsten Vertretern der französischen Orgelsymphonik. Es ist reizvoll, sein erstes und letztes veröffentlichtes Orgelwerk nebeneinanderzustellen: das liebliche Allegretto op. 1 und das furiose Final seiner letzten Sinfonie. In diesem Satz herrscht pure Ausgelassenheit. So tänzerisch, so rhythmisch kraftvoll hört man Vierne in seiner Musik sonst selten. Besonders wirkungsvoll ist der Schluss: außerordentlich schwierig zu spielende schnelle Tonleitern im Pedal führen zu einer virtuos mitreißenden Schluss-Apotheose des gewaltigen Werks.

Jörg Endebrock

Gerhard Gnann wurde 1962 in Bad Buchau geboren und studierte Orgel, Cembalo und Kirchenmusik in Freiburg, Amsterdam und Basel. Zu seinen Lehrern zählten Ludwig Doerr, Ton Koopman, Ewald Kooiman und Guy Bovet. Er war mehrfach Preisträger bei internationalen Wettbewerben, u. a. 1988 in Brügge, 1992 beim Schweizer Orgelwettbewerb und gewann 1993 den Großen Preis „Dom zu Speyer“.
Von 1994–1997 war er Bezirkskantor der Erzdiözese in Freiburg mit Dienstsitz in Münstertal. In dieser Eigenschaft begründete er die Reihe „Konzerte in St. Trudpert“. 1997 wurde Gerhard Gnann als Professor für künstlerisches Orgelspiel an die Hochschule für Musik der Johannes Gutenberg-Universität Mainz berufen. Er ist dort zugleich Leiter der Abteilung Kirchenmusik/Orgel. 2003 wurde er mit dem Preis der Johannes Gutenberg-Universität für exzellente Leistungen in der Lehre ausgezeichnet.
2012–2015 war Gerhard Gnann Domorganist am Freiburger Münster und künstlerischer Leiter der dortigen Orgelkonzerte. Als ausübender Künstler, Juror bei internationalen Wettbewerben sowie als Pädagoge ist er im In- und Ausland gefragt. Als Gastdozent von Meisterkursen ist er regelmäßig in Italien, Polen, Norwegen, Dänemark, Frankreich und der Schweiz zu Gast.
Des Weiteren hat er mit CD-Aufnahmen bei Labels wie audite, hänssler Classic, organum, coviello classic u. a. auf sich aufmerksam gemacht. Gnann wurde mehrfach mit Schallplattenpreisen ausgezeichnet – zuletzt 2013 mit dem „ECHO Klassik“ – sowie 2015 für die CD „arranging bach“ auf den Orgeln des Freiburger Münsters.

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Mittwoch, 11. August 2021, 19.00 Uhr    
Wolfgang Zerer (Hamburg, Hochschule für Musik und Theater)

Große Orgel

Johann Sebastian Bach (1685–1750): Präludium G-Dur BWV 541/1                                
Johann Sebastian Bach: Trio super „Herr Jesu Christ, dich zu uns wend“ BWV 655   
Johann Sebastian Bach: Fuge G-Dur BWV 550/2  

Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Orgel

Georg Muffat (1653–1704): Toccata tertia
aus: „Apparatus musico-organisticus“                   
                                                                                       
Johann Sebastian Bach: Fuge d-Moll BWV 539/2

Zentralspieltisch

Olivier Messiaen (1908–1992): „Les choses visibles et invisibles“    
(Die sichtbaren und die unsichtbaren Dinge)
aus: „Messe de la Pentecôte“ (Pfingstmesse)

César Franck (1822–1890):  Grande Pièce Symphonique op. 17            

Einige Präludien und Fugen Johann Sebastian Bachs sind in zeitgenössischen Quellen mit einem Trio als Mittelsatz überliefert. Möglicherweise spiegelt dies eine liturgische Praxis der Zeit wider (Präludium am Beginn des Gottesdienstes, Trio sub communione, Fuge als Nachspiel). Im heutigen Konzert wurde in Anlehnung daran eine etwas ungewöhnliche Zusammenstellung gewählt: das Präludium (BWV 541) wird mit der Fuge eines anderen Werkes (BWV 550) kombiniert, dazwischen erklingt das Trio über den Choral „Herr Jesu Christ, dich zu uns wend“ aus den sogenannten 18 Leipziger Chorälen. Alle drei Werke sind von einer „sprühenden Vitalität“ geprägt und die Tonart G-Dur drückt in der Barockzeit in besonderer Weise Freude aus.
Georg Muffats „Apparatus musico-organisticus“ wurde 1690 publiziert. Die Sammlung vereinigt die beiden in der damaligen Zeit besonders populären Stile (italienisch und französisch) zu einem sog. „vermischten Stil“. Die 5-teilige Toccata tertia ist dafür ein besonders schönes Beispiel: nach einer italienisch geprägten Einleitung folgen eine Canzona, ein ruhiger Mittelteil im sogenannten „stile di durezze e ligature“ und eine 2-teilige französische Fugue.
Johann Sebastian Bach hat zahlreiche Werke sowohl anderer Komponisten (z. B. von Antonio Vivaldi) als auch eigene Kompositionen (Kantatensätze, Concerti) für Orgel übertragen. Ein besonderes Beispiel dafür ist die Fuge in d-Moll (BWV 539): die Vorlage dafür stammt aus der Partita für Violine solo (BWV 1001). Es ist beeindruckend, wie Bach das typische Streicher-Idiom auf die Orgel mit deren spezifischen Möglichkeiten überträgt.
Die „Messe de la Pentecôte“ (Pfingstmesse) von Olivier Messiaen ist 1950 entstanden. Der 2. Teil („Les choses visibles et invisibles“ - die sichtbaren und die unsichtbaren Dinge / Nizänisches Glaubensbekenntnis) ist dabei der umfangreichste und vielfältigste Satz daraus. Die verschiedenen Abschnitte sind sehr kontrastreich gestaltet und einige Charakteristika seien kurz benannt: Verwendung von Hindu-Rhythmen, dunkle Registrierungen (Kampf gegen die Finsternis und ihre Mächte), helle Farben, Vogelstimmen, Nachahmung von Wassertropfen u. a.
Messiaen hat sich selbst zu diesem Werk geäußert: „Das Unsichtbare ist die Domäne des Heiligen Geistes: <der Geist der Wahrheit, den die Welt nicht fassen kann, weil sie ihn nicht sieht und nicht kennt> (Joh.-Evangelium). Das Leben, dem die Gnade verborgen ist, vermutet die Wohnung des Heiligen Geistes in der gläubigen Seele.“                                             
Berühmt ist César Francks emphathische Äußerung über die Orgel: sie ist „mein Orchester“. Diese orchestral-symphonische Ausrichtung hat sicher besonders Gültigkeit für sein 1863 entstandenes Werk „Grande pièce symphonique“. Es markiert den Beginn der französischen Orgelsymphonik der Spätromantik. Dieses Werk (von enormer Ausdehnung) ist nicht in mehrere Einzelsätze aufgeteilt, sondern in einem „großen Wurf“ konzipiert, bei dem die einzelnen Formteile nahtlos aufeinander folgen: langsame Einleitung (Andantino serioso), Hauptsatz (Allegro non troppo e maestoso), langsamer Satz (Andante), Scherzo (Allegro), Kombination der einzelnen Teile und abschließende Fuge. Manche Parallelen und gegenseitige Inspirationen gibt es im symphonischen Werk von Franz Liszt und insbesondere in den Werken von Francks Freund Charles Henri Valentin Alkan, dem das Werk gewidmet ist.

Wolfgang Zerer

Wolfgang Zerer, geboren 1961 in Passau, erhielt seinen ersten Orgelunterricht vom Passauer Domorganisten Walther Schuster. Ab 1980 studierte er in Wien (Orgel bei Michael Radulescu, Cembalo bei Gordon Murray, Dirigieren bei Karl Österreicher und Kirchenmusik). Weitere Studien führten ihn nach Amsterdam (Cembalo bei Ton Koopman) und nach Stuttgart (Kirchenmusik / Orgel bei Ludger Lohmann).
Er war Preisträger verschiedener Orgelwettbewerbe (u. a. in Brügge und Innsbruck). Nach Lehraufträgen in Stuttgart und Wien wurde er 1989 auf eine Professur für Orgel an die Hochschule für Musik und Theater Hamburg berufen.
Seit 1995 ist er als Gastdozent am Prins Claus Conservatorium Groningen / Niederlande tätig, seit Oktober 2006 lehrt er als Dozent für Orgel an der Schola Cantorum in Basel / Schweiz.
Konzerte, Kurse, Jurytätigkeit und Aufnahmen führten ihn in die meisten Länder Europas, nach Israel, Nord- und Südamerika, Japan, China und Südkorea.

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Mittwoch, 18. August 2021, 19.00 Uhr   
Mona Rozdestvenskyte (Bremen, St. Johann)

Große Orgel

Wolfgang Amadeus Mozart (1756–1791): Fantasie f-Moll KV 608

Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Orgel

Jan Pieterszoon Sweelinck (1562–1621): Fantasia Chromatica SwWV 258

Johann Sebastian Bach (1685–1750): Fantasie c-Moll BWV 562

Zentralspieltisch

Josef Gabriel Rheinberger (1839–1901): Sonate Nr. 12 Des-Dur op. 154
I. Phantasie
II. Pastorale
III. Introduktion und Fuge

Camille Saint-Saëns (1835–1921): Danse macabre
Transkription: E. H. Lemare

Max Reger (1873–1916): Fantasie über den Namen B-A-C-H op. 46

Dieses Konzert wird freundlicherweise gefördert von der Internationalen Josef Gabriel Rheinberger-Gesellschaft

Eine Wiener Attraktion gegen Ende des 18. Jahrhunderts war das von Joseph Graf Deym eingerichtete Kuriositätenkabinett, in dem Plastiken und Wachsfiguren zu sehen waren, während zugleich Spieluhren und -automaten für musikalische Untermalung sorgten. Im Winter 1790/91 beauftragte Graf Deym Wolfgang Amadeus Mozart, mehrere Stücke für diese Flötenuhren zu schreiben. Mozarts f-Moll-Fantasie diente als Trauermusik für Feldmarschall Laudon, Maria Theresias erfolgreichsten General, dessen Wachsfigur stündlich mit der Musik Mozarts geehrt wurde, die dessen stürmisches Leben eindrucksvoll illustriert.
Jan Pieterszoon Sweelinck war der berühmteste Organist seiner Zeit. In der Oude Kerk in Amsterdam spielte er täglich für die wohlhabenden Bürger der Stadt kleine Konzerte, vermutlich die ersten öffentlichen Orgelkonzerte überhaupt. Hier improvisierte er über bekannte und beliebte Melodien oder spielte Kompositionen wie die ausdrucksstarke „Fantasia chromatica“.
Johann Sebastian Bach gilt als größter Meister der klassischen Fuge, einer der strengsten und komplexesten Formen der Musik. Die große Anzahl seiner Fantasien zeigt aber, dass er genauso den freien, expressiven Ausdruck liebte.
Die c-Moll Fantasie ist ein sehr konzentriertes und etwas in sich gekehrtes Werk. Es sind die ausdrucksstarke Dichte des Satzes, die zunehmende innere Spannung, vor allem aber die schmerzlich-lyrische Harmonik, die den Reiz der Komposition ausmachen.
Josef Rheinberger darf wohl neben Mendelssohn als einer der wichtigsten Komponisten der Gattung „Orgelsonate“ im 19. Jahrhundert gelten. Nicht weniger als 20 Sonaten schuf er ab 1875. Rheinberger konzipierte sie eher für den Konzertsaal als für die Kirche, denn im Laufe des 19. Jahrhunderts wurden immer mehr Orgeln in Konzertsäle eingebaut und man bedurfte adäquater nichtkirchlicher Werke für diesen Rahmen. Die einzelnen Sätze der Sonaten sind meist inspiriert von barocken formalen Vorbildern und tragen wie auch im Falle der 12. Sonate barocke Titel. Rheinberger füllt diese barocken „Gefäße“ jedoch mit seiner sanft-lyrischen, mitunter leicht süßlichen, aber immer meisterhaften hochromantischen Tonsprache.
Der englische Orgelvirtuose Edwin Lemare galt als der virtuoseste Konzertorganist seiner Zeit. Ende des 19. Jahrhunderts verbrachte er die meiste Zeit auf Reisen und machte sich durch seine Arrangements bekannter Orchesterwerke in einer Zeit vor Erfindung der Schallplatte und des Radios enorm verdient um die Verbreitung der damals modernen und fortschrittlichen Musik. Hochvirtuos und gekonnt ist denn auch sein Arrangement der 1875 entstandenen Tondichtung „Danse macabre“ (Totentanz) von Camille Saint-Saëns.
Bei der Uraufführung 1875 in Paris traf das Werk auf wenig Enthusiasmus, wurde später gar ausgepfiffen, möglicherweise, weil das Publikum das Spiel der „diabolischen“ Sologeige mit ihrer auf Es umgestimmten E-Saite als unsauber missverstand. Innerhalb von zehn Jahren jedoch erlangte das Werk so große Bekanntheit, dass Saint-Saëns sich in seinem „Karneval der Tiere“ ironisch selbst daraus zitierte.
„Seb. Bach ist für mich Anfang und Ende aller Musik, auf ihm ruht und fußt jeder wahre Fortschritt!" Mit diesen programmatischen Worten beginnt Max Reger seine Antwort auf die 1905 von einer Zeitschriftenredaktion gestellte Rundfrage „Was ist mir Johann Sebastian Bach und was bedeutet er für unsere Zeit?". Eindrucksvolles Zeugnis dieser Bach-Verehrung legte er bereits mit der im Jahr 1900 komponierten und veröffentlichten grandiosen Bach-Hommage ab, seinem wohl bekanntesten Orgelwerk: Fantasie und Fuge über B-A-C-H (im heutigen Konzert erklingt nur die Fantasie). Was bei anderen seiner Kompositionen irritieren mag, die komplexe Harmonik, die Weitschweifigkeit, das scheinbare Umherirren von einem wie zufällig erhaschten Ruhepunkt zum nächsten, das ist hier durch das omnipräsente B-A-C-H-Motiv verklammert und verhilft dem Werk zu einer bemerkenswerten Geschlossenheit.
Reger widmete die Komposition Josef Rheinberger, der sich angesichts der hochexpressiven Modernität aber vorsichtig-kritisch zur Fantasie geäußert haben soll.

Jörg Endebrock

Mona Rozdestvenskyte wurde 1994 in Moskau geboren. 2012 begann sie mit dem Studium der Kirchenmusik an der Hochschule für Musik Detmold, an der sie 2018 ihren Master und 2020 den Master Solist Orgel bei Prof. Martin Sander absolviert hat. Seit Oktober 2020 studiert sie in der Meisterklasse von Prof. Martin Schmeding an der Hochschule für Musik und Theater „Felix Mendelssohn Bartholdy“ Leipzig.
Weitere künstlerische Impulse erhielt sie bei Meisterkursen mit Olivier Latry, Wolfgang Zerer, Arvid Gast, Michael Radulescu, Hans-Ola Ericsson, Ben van Oosten, Guy Bovet, Jaroslav Tuma und Bine Bryndorf.
Mona Rozdestvenskyte war Preisträgerin bei zahlreichen nationalen und internationalen Wettbewerben: u. a. erhielt sie 1. Preise beim VII. internationalen M. K. Ciurlionis-Orgelwettbewerb in Vilnius, bei der Northern Ireland International Organ Competition, beim internationalen Orgelwettbewerb Fugato in Bad Homburg, 3. Preis beim Orgelwettbewerb in Saint-Maurice (Schweiz, 2018), beim Orgelwettbewerb in Korschenbroich und den Preis der Rheinberger-Gesellschaft beim Rheinberger-Orgelwettbewerb in Vaduz.
Sie konzertierte unter anderem in der Dresdner Frauenkirche, in der Lorenzkirche in Nürnberg, im Dom zu Paderborn, im Mozarteum Salzburg, im ORF-Sendehaus in Wien, in Westminster Abbey, in der St. Thomas Church 5th Avenue in New York City, im Rigaer Dom sowie an weiteren Orten in Deutschland, der Schweiz, Polen, den baltischen Staaten, Spanien und England.
Von 2017 bis 2021 war Mona Rozdestvenskyte als Kirchenmusikerin im Pastoralverbund Bad Driburg tätig. Seit Februar 2021 arbeitet sie als Regionalkantorin an der Propsteikirche St. Johann in Bremen.

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Mittwoch, 25. August 2021, 19.00 Uhr    
Peter Van de Velde (Antwerpen, Kathedrale)

Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Orgel

Carl Philipp Emanuel Bach (1714–1788): Sonata A-Dur H 85
I. Allegro assai
II. Poco adagio
III. Allegro

Zentralspieltisch

Johann Sebastian Bach (1685–1750): Präludium und Fuge e-Moll BWV 548
(Fassung von Karl Straube)

Naji Hakim (*1955): Sinfonia in honore sancti Ioannis Baptistae
I. Ut queant laxis
II. Ecce agnus Dei
III. In Spiritu et Igni

Camille Saint-Saëns (1835–1921): Poco Adagio aus der Sinfonie für Orchester und Orgel op. 78
arrangiert für Orgel solo von Emile Bernard

Marcel Dupré (1886–1971): Prélude et Fugue en si-majeur op. 7 Nr. 1

Carl Philipp Emanuel Bachs Orgelsonaten stehen immer noch im Schatten des „übermächtigen" Vaters. So schrieb etwa der Bach-Biograph Forkel fast entschuldigend: „Diese Orgel-Solos sind für eine Prinzessin gemacht, die kein Pedal und keine Schwierigkeiten spielen konnte, ob sie sich gleich eine schöne Orgel mit zwei Clavieren und Pedal machen ließ und gerne darauf spielte." Die Pedallosigkeit der Werke dürfte allerdings weniger an den fehlenden Fähigkeiten der Prinzessin Amalia von Preußen gelegen haben, sondern am Wandel des Musikgeschmacks, und auch die technischen Anforderungen sind durchaus beträchtlich. Kennzeichnend für den Stil des zweitältesten Bach-Sohnes ist der häufige, oft abrupte Wechsel der Affekte. Sein wichtigstes Anliegen war ein starker Gefühlsausdruck. Der Interpret sollte aus der Seele oder aus der Empfindung heraus die Finger gleichsam „reden“ lassen, um die Zuhörer „in Leidenschaft zu versetzen“.
Das gewaltige Werkpaar „Präludium und Fuge e-Moll“ BWV 548 zählt zu den späten großen Orgelwerken Johann Sebastian Bachs, entstanden vermutlich um das Jahr 1730, als Bach im Zenit seiner Kompositionskunst stand. Souverän werden hier die Gattungen „Präludium und Fuge“ und „Konzert“ miteinander verschmolzen. Vor allem die Fuge überrascht durch äußerst virtuos-konzertierendes Laufwerk, das einzigartig sogar in Bachs Orgelwerk dasteht. Schon Bachs Biograph Philipp Spitta erkannte Ende des 19. Jahrhunderts, „dass die hergebrachten Bezeichnungen nicht mehr ausreichen“, so dass man das Werkpaar „eine zweisätzige Orgelsymphonie nennen müsste, um unsrer Zeit eine richtige Vorstellung von ihrer Größe und Gewalt nahe zu legen“. Der berühmte Thomasorganist Karl Straube richtete Bachs Werke Anfang des 20. Jahrhunderts für die orchestralen Großorgeln seiner Zeit ein, wobei der symphonische Charakter dieses Werkes noch einmal besonders unterstrichen wird.
Die Orgelsinfonie „zu Ehren Johannes des Täufers“ des französisch-libanesischen Organisten Naji Hakim entstand im Jahr 1997 für die „Church of St. John the Baptist“ in Newcastle/England. Ihr liegt folgendes Programm zugrunde:
1. Satz: „Es ist eine Stimme eines Predigers in der Wüste: Bereitet den Weg des Herrn!“ (Lukas 3, 4)
Variationen über den gregorianischen Hymnus zu Ehren Johannes des Täufers „Ut queant laxis“.
2. Satz: „Siehe, das ist Gottes Lamm, das hinwegnimmt die Sünde der Welt.“ Johannes 1, 29
Der Satz basiert auf einem baskischen „Agnus Dei“.
3. Satz: „Ich taufe euch mit Wasser zur Buße; der aber nach mir kommt, ist stärker als ich, und ich bin nicht wert, ihm die Schuhe zu tragen; der wird euch mit dem Heiligen Geist und mit Feuer taufen.“ Matthäus 2, 11
Dieses Finale basiert auf demselben baskischen Agnus Dei und ist ein fröhlicher „Feuertanz“, der einen eher kontemplativen, ätherischen Mittelteil über den Geist der Liebe umrahmt.
Camille Saint-Saëns war zweifellos der vielseitigste französische Komponist seiner Zeit. Wenig bekannt ist, dass er fast 20 Jahre lang als Organist an der Pariser „Madeleine“-Kirche wirkte. Es ist bedauerlich, dass er trotzdem vergleichsweise wenige Kompositionen für „sein“ Instrument hinterlassen hat. Besonders ins Zentrum gerückt hat er das Instrument allerdings in seiner berühmten 3. Sinfonie, die den Beinamen „Orgelsinfonie“ trägt, obwohl die Orgel nur in zwei der vier Sätze zum Orchester hinzutritt, dem Werk dadurch aber eine große Feierlichkeit verleiht. Das elegische und erhabene „Poco adagio“ aus dieser Sinfonie erklingt heute in einer Transkription für Orgel solo.
Vor 50 Jahren verstarb mit Marcel Dupré einer der prägendsten Organisten-Komponisten des 20. Jahrhunderts. Er drückte als Virtuose, Komponist, Lehrer, Musikschriftsteller und Herausgeber einer ganzen Epoche seinen Stempel auf. Die Kennzeichen seiner Kunst waren technische Perfektion und eine außerordentliche Fähigkeit zur freien Improvisation, die ihre Wurzeln in einer fundierten Kenntnis des Gregorianischen Chorals, der Harmonielehre und des Kontrapunkts hatte. Die drei Präludien und Fugen op. 7 machten den jungen Dupré im Jahr 1912 schlagartig berühmt und zählen noch heute zu seinen meistgespielten Werken. Das Präludium H-Dur ist typisch für die Gattung der französischen Orgeltoccata. Schnelle, glockenähnliche Figuren in den Manualen umhüllen das majestätische Thema, das zuerst im Pedal erklingt und später ins Manual wandert. Das komplexe Thema der Fuge ist direkt aus den glockenhaften Figuren des Präludiums entwickelt.

Jörg Endebrock

Peter Van de Velde studierte Orgel an der Akademie der Schönen Künste in Antwerpen und am Königlichen Konservatorium Antwerpen. Er erhielt zahlreiche erste Preise und beendete sein Studium 1996 mit dem Meisterdiplom für Orgel als letzter Schüler von Stanislas Deriemaeker. Ergänzend besuchte er Meisterkurse u. a. bei Louis Thiry, Hans van Nieuwkoop, Naji Hakim und Wayne Marshall.
Anfang 2002 wurde Peter Van de Velde zum Titularorganist der Liebfrauenkathedrale von Antwerpen ernannt und spielt dort auf der romantischen Schyven-Orgel (1891) als auch auf der klassischen Metzler-Orgel (1993). Darüber hinaus ist er Organist an St. Michael in Antwerpen und Organisator sowie künstlerischer Berater der Konzerte der Antwerpener Kathedrale und verschiedene Konzertzyklen in der Umgebung.
Neben seinen internationalen Konzertreisen durch ganz Europa, Japan, Canada, den USA, Ägypten und Russland ist er ein gefragter Begleiter, spielt regelmässig mit verschiedenen Orchestern große Orgelkonzerte (Poulenc, Jongen, Bach, Händel, Callaerts) und arbeitete mit Dirigenten wie Philippe Herreweghe, Edo De Waart, Peter Biloen, Muhai Tang, Yuri Simonov zusammen.
Zahlreiche Aufnahmen beim Deutschen Label „Aeolus” und Radio-Aufnahmen für den Bayerischen Rundfunk und Radio Vatican ergänzen sein künstlerisches Profil.

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Mittwoch, 1. September 2021, 19.00 Uhr    
Abschlusskonzert

Jörg Endebrock (Hamburg, St. Michaelis)

Zentralspieltisch

André Raison (1640–1719): Offerte du 5ième ton

Carl-Philipp-Emanuel-Bach-Orgel

Johann Mattheson (1681–1764): Suite Nr. 1 d-Moll
I. Prélude
II. Allemande
III. Courante
IV. Sarabande
V. Gigue
                                
Zentralspieltisch

Charles-Marie Widor (1844–1937): Symphonie für Orgel Nr. 6 g-Moll op. 42, 2
I. Allegro
II. Adagio
III. Intermezzo
IV. Cantabile
V. Final

Im Frankreich Ludwigs des XIV. war die Gesundheit des Monarchen keine Privatsache und wurde durchaus öffentlich inszeniert. Als der König im Jahre 1687 an einer schmerzhaften und gefährlichen Fistel litt, nahm sein Volk lebhaft Anteil. Die erfolgreiche Genesung des Königs wurde dann mit einem Empfang im Pariser Rathaus und einem Gottesdienst in der Kathedrale Notre-Dame gefeiert. Zu diesem Anlass komponierte André Raison seine „Offerte“, ein durchaus kurioses Werk, das mit einer frischen Feierlichkeit für sich einnimmt. Am Ende sind die Akklamationen „Vive le Roy“ in die Komposition eingeflochten.
Der Name Johann Mattheson ist untrennbar mit dem Hamburger Michel und seiner Orgel verbunden. Mattheson führte ein außergewöhnliches und fruchtbar-kreatives Leben: Frühe Berühmtheit erlangte schon der Jugendliche als Sänger an der Oper am Gänsemarkt, wo er bald darauf auch als erfolgreicher Opernkomponist hervortrat. Später wurde Mattheson im Hauptberuf Sekretär des Englischen Gesandten in Hamburg und verfasste eine Vielzahl von musiktheoretischen Schriften und gab die ersten musikalischen Zeitschriften heraus. Ab 1718 hatte er zusätzlich die Stelle des Kantors der Hamburger Domkirche inne, bis er diese Tätigkeit wegen seiner Ertaubung aufgeben musste. Als die Hauptkirche St. Michaelis im Jahr 1750 abbrannte, verpflichtete sich der äußerst wohlhabende und kinderlose Mattheson, sein gesamtes Vermögen für die neue Orgel der bald neu errichteten Kirche zur Verfügung zu stellen. Als er kurz nach Einweihung von Kirche und Orgel starb, erhielt er als Dank ein Grab in der Krypta direkt unter der Kanzel „zu ewigen Zeiten“. Die Suite in d-Moll ist eigentlich für das Cembalo geschrieben und legt deutliches Zeugnis davon ab, wie beliebt und einflussreich die französische Musik auch im Norden Deutschlands war.
Die Komposition der 6. Orgelsymphonie von Charles-Marie Widor dürfte unmittelbar durch die bevorstehende Einweihung der neuen Cavaillé-Coll-Orgel im Großen Saal des Palais du Trocadéro in Paris veranlasst worden sein. Am 24. August 1878 gab Widor während der Pariser Weltausstellung an diesem neuen, imposanten Instrument ein Konzert, in dessen Rahmen er die Symphonie erstmals aufführte.
Das eröffnende Allegro zeigt Widor auf der Höhe seiner kompositorischen Meisterschaft und verbindet auf brillante Weise Sonatenhauptsatzform und Variationssatz. Auf das majestätisch-choralartige erste Thema folgt ein Rezitativ-Abschnitt, der im Verlauf des Satzes auf verschiedene Weise mit dem Choralthema kombiniert wird. Im August 1876 erlebte Widor in Bayreuth die Premiere von Richard Wagners Ring des Nibelungen. Wie Albert Schweitzer überliefert, ist der 2. Satz, das Adagio in H-Dur unter dem Eindruck dieser Aufführung entstanden. Vokal empfundene Melodik und sinnliche Chromatik zeichnen den dreiteiligen Satz aus, was durch die Ausgangsregistrierung mit „Gambes et Voix célestes“ noch unterstrichen wird. Das im Geiste Robert Schumanns komponierte dreiteilige Intermezzo in g-Moll nimmt die Position des Scherzos ein. Im Cantabile zeigt sich Widors melodische Erfindungsgabe. Das elegante, weit ausschwingende Hauptthema wird auf der Oboe vorgestellt; nach einem kurzen Mittelteil erklingt es ein zweites Mal, nun von fließenden Sextolen umspielt. Das Finale, ein Sonatenrondo, ist durch zwei thematische Hauptideen bestimmt, wobei das erste Thema von kraftvollen Akkorden, das zweite durch Ketten fallender verminderter Quarten geprägt ist. Die thematische Entwicklung des Stücks stützt sich hauptsächlich auf die zweite Idee, bevor die Reprise noch einmal thematisches Material des Beginns verarbeitet und zu einer stürmischen Coda überleitet.

Jörg Endebrock

Biographie Jörg Endebrock siehe Konzert I

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Programm- und Besetzungänderungen vorbehalten

Der Hamburger Orgelsommer findet in den folgenden Kirchen statt:

• Hauptkirche St. Jacobi
  immer dienstags um 20.00 Uhr
   
• Hauptkirche St. Michaelis
  immer mittwochs um 19.00 Uhr
   
• Hauptkirche St. Petri
  immer freitags um 18.30 Uhr
   
• Hauptkirche St. Nikolai
  immer sonnabends um 18.10 Uhr
   
• St. Marien-Dom
  immer sonnabends um 20.00 Uhr
   
• Hauptkirche St. Katharinen
  immer sonntags um 18.00 Uhr